站在海豚的高度看世界:一次关于观看方式的展览实验
在大多数人对展览的想象中,艺术总是来自“人类”,尤其是被归类为“艺术家”的那一类人。但如果某天,一组色彩斑斓、线条流动的画面被告知是由海豚绘制的,它们不只是涂鸦,也非玩闹游戏,而是源自持续数年的艺术治疗实验,那么,观看的人会发生怎样的变化?而又是谁在引导这种观看的发生?
这场名为《海豚绘画:创造性的环境方法》的展览选择了一条并不容易的路:它并没有把“动物艺术”当作博物学奇观,也没有以“童趣”或“环保”作为传播标签。相反,它试图构建一种全新的观看逻辑,一种“跨物种的空间叙事”。这种叙事既不依附于传统美术史,也不简单嫁接生态话题,而是从观看者的“身体位置”与“感官经验”出发,挑战我们理解图像的方式。
展览中,大部分海豚创作的绘画被悬挂在靠近地面的水平线上,这个高度并不便于成年人阅读,却恰恰模拟了海豚在水中抬头、倾侧、旋转的动作习惯。与此同时,展厅光线略低,照明系统以柔和频率勾勒出作品的律动性,仿佛邀请观众弯下身、慢下脚步,去触碰一个非人类的视觉节奏。策展团队没有通过任何技术手段强化“画作的意义”,也未设置大段说明文字,而是让“动作的痕迹”“色彩的本能”“运动中的绘画”自行对话。
这种空间逻辑,显然不是传统艺术展中的“中轴对称”“观众仰视”所能套用的。它要求观众在观看中不断调节姿态、转换高度,也许还得蹲下来、歪头看,重新思考:我们是否总在用人类的观看方式去定义艺术?
这也是展览背后的主策展人,顾问,一位活跃于纽约当代艺术场域的新生代策展人,所持续探索的问题。她的策展语言一贯关注观看的伦理与结构,强调展览不仅是“挂上墙的作品集合”,而是“重新设定观众如何看”的制度装置。从这一点看,《海豚绘画:创造性的环境方法》的策展思路与其过往研究跨物种艺术、物质文化与视觉人类学的路径一脉相承,但这一次,她将重心放在了空间感知与观看秩序的重构上。
在展览设计中,顾问特别引入了多语种文本系统,其中包括英文、西班牙文以及以图像表达的非语言信息,用以回应海豚作为“非语言表达者”的身份。这种设计一方面是对多文化背景观众的考虑,另一方面也是对“语言霸权”的反思:在一场没有语义对称的展览中,我们是否能通过图像与动作进入对等沟通?此外,展览的路径动线也并非直线式逻辑,而是采用“潜水式体验”:观众仿佛在水下穿梭,偶遇一张绘画、一段录像或一页手稿,每一个片段都在构建一个被压低、放缓的感知结构。
比起直接陈述“这是一场关于动物艺术的展览”,《海豚绘画:创造性的环境方法》更像是在暗中操控我们的观看神经:不再只是“看什么”,而是“怎么被允许去看”。而这一切的发生,其实依赖的是一套隐形的策展结构。那些对高度的计算、对节奏的调度、对观众身体感的反复测量。策展人以她一贯的敏感度与诗意语言,将非人类绘画拉入公共空间,同时又不将其庸俗化、物化,而是给予其一种美学主体的可能。
更重要的是,展览并未回避“策展的伦理困境”。在所有作品的展示中,观众几乎看不到“表演”“娱乐”“命令”等控制语汇,而是通过文献、录像与档案重建,呈现了一套以“合作”为前提的绘画过程。海豚并非“被迫作画”的工具,而是在充满回应性的空间中进行表达。这种合作关系也延伸到展览本身:策展人选择了以“视觉平权”的方式去回应这些图像,而非以解说、归类或教育者姿态去消化它。
《海豚绘画:创造性的环境方法》为当代策展实践提出了一个令人兴奋的范式:策展并非是“选择什么作品”,而是“激活观看结构”,并用空间语言为被忽视的主体创造表达场域。这种策展观既具体又深远,也反映出策展人本人对当代文化交叉性的深度关注。
作为一位成长于中西交汇语境中的青年策展人,顾问自纽约普拉特艺术学院艺术与设计史专业毕业后,长期活跃于展览、写作与研究的交界处,策划项目涉及移民图像、女性材料史、古代工艺复现等多个维度,其工作不断获得媒体、机构与国际平台的关注。在她的策展实践中,“边缘的图像如何被重新书写”“无声的主体如何被视觉化”始终是核心问题,而《海豚绘画:创造性的环境方法》恰恰是诠释这个课题的路径中最具实验性的一站。